Antes de convertirte en diseñadora de moda: entre la libertad, la creatividad, la belleza y la realidad.

Después de más de treinta años en el mundo de la moda, una reflexión sobre lo hermoso de esta profesión, lo que duele y por qué una persona creativa, a pesar de todo, nunca consigue alejarse de ella.

Antes de convertirte en diseñadora de moda

Si hoy viniera a verme una chica joven y me dijera que quiere convertirse en diseñadora de moda, probablemente primero dejaría que hablara. Me interesaría saber qué es lo que le atrae de la moda, qué se imagina cuando piensa en esta profesión y si lo que desea realmente es diseñar o, más bien, formar parte del mundo que existe alrededor de la moda.

Después querría decirle algo que quizá no se dice lo suficiente al principio:

Ser diseñadora de moda es una profesión maravillosa, pero no es una forma de vida sencilla.

Desde fuera, la moda suele parecer un mundo lleno de prestigio, vestidos hermosos, desfiles, luces, fotógrafos, medios de comunicación, libertad y lujo. Uno ve una prenda terminada sobre la pasarela, escucha los aplausos y puede llegar fácilmente a pensar que la vida de un diseñador consiste sobre todo en creatividad, reconocimiento y en hacer las cosas a su manera.

Todo eso es cierto.

Pero no es toda la verdad.

Crear algo que antes no existía

Una de las cosas más hermosas de esta profesión es la posibilidad de crear algo que antes no existía.

A partir de un trozo de tela, un dibujo, una idea o incluso una imagen todavía muy imprecisa puede surgir una prenda real, con su propia forma, movimiento, carácter y vida.

Puedes desarrollar una estética propia, buscar tu lenguaje personal y decidir hacia dónde quieres llevar tu trabajo. Para una persona verdaderamente creativa, es un regalo enorme.

Pero la creatividad también tiene su lado menos amable.

No se puede apagar simplemente al terminar la jornada laboral. Un diseñador no mira una tela solamente como un material. Muchas veces ve inmediatamente un vestido, una silueta, un detalle o la manera en que podría moverse sobre el cuerpo. La inspiración aparece constantemente y la mente continúa trabajando incluso cuando debería descansar.

Y como normalmente no faltan las ideas, sino que suele haber demasiadas, aparece otro problema: no todas las ideas pueden convertirse en un producto que realmente se venda.

Es en ese momento cuando la creatividad empieza a encontrarse con la economía.

Libertad, que también significa responsabilidad

Un diseñador de moda tiene una gran libertad. Puede decidir sobre su estética, su marca, su manera de trabajar y sobre el mundo que quiere crear.

Pero cuanto mayor es la libertad, mayor es también la responsabilidad.

No hay nadie que te diga de antemano cuántos modelos debes crear, qué materiales elegir, qué se venderá, hacia dónde llevar la marca o en qué merece la pena invertir. Estas decisiones tiene que tomarlas el propio diseñador y, al mismo tiempo, asumir sus consecuencias.

Y es precisamente aquí donde una profesión creativa se convierte también en un negocio.

De repente ya no se trata solamente de qué quiero crear, sino también de cómo mantener una marca a largo plazo, cómo presentarla al público, cómo organizar la producción y cómo hacer que todo ello sea económicamente sostenible.

Por eso, un diseñador de moda no es solamente un creador. También es alguien que tiene que pensar constantemente en el futuro de su propia marca.

Por qué la originalidad es tan cara

Cuando alguien observa el precio de una prenda de autor o de alta costura, puede pensar que está pagando principalmente por el nombre del diseñador. En realidad, la economía que hay detrás de una pieza así es mucho más compleja.

En su creación intervienen no solo el material y el trabajo realizado, sino también las personas que participan en su elaboración, la construcción de la prenda, las pruebas y modificaciones, las fotografías, las modelos, los maquilladores y estilistas, el espacio, el alquiler, la tienda, el personal, el transporte, los viajes, el marketing, la página web y la presentación de la marca.

Todos estos son costes que no se ven a primera vista en un vestido terminado.

En la producción industrial, la economía funciona de una manera completamente diferente. El primer prototipo puede ser muy caro porque incluye el desarrollo, la construcción, las pruebas y muchos otros costes. Pero si después se producen cientos o miles de unidades, esos costes se distribuyen entre toda la serie.

En la moda de autor o en la alta costura sucede lo contrario. El diseñador puede crear una única pieza original o una serie muy pequeña, y por lo tanto los costes no pueden repartirse entre una gran cantidad de prendas.

Esta es una de las razones por las que la originalidad resulta tan costosa.

No porque una prenda original tenga que ser cara simplemente por llevar el nombre de un diseñador, sino porque una única pieza contiene todo el proceso que ha hecho posible su existencia.

El precio, por tanto, no nace únicamente de la cantidad de tela utilizada o de las horas pasadas frente a una máquina de coser. También incluye el hecho de que algo se crea una sola vez, de forma individual y sin posibilidad de repartir sus costes entre miles de unidades.

El mundo de la moda crea una ilusión de riqueza

Quizá por eso el mundo de los diseñadores de moda puede parecer a veces bastante diferente desde fuera.

Una presentación hermosa parece cara. Los materiales de lujo parecen caros. Un desfile parece caro. Un showroom, las fotografías y los medios de comunicación crean una imagen de éxito y de una gran capacidad económica.

La realidad de una pequeña marca de autor, sin embargo, suele ser muy diferente.

El diseñador tiene que pensar cuidadosamente en cada inversión y buscar la manera de hacer lo máximo posible con recursos limitados. Las grandes casas de moda cuentan con equipos, presupuestos e inversores o patrocinadores. Una pequeña marca puede no disponer de nada de eso.

Por eso es peligroso confundir la imagen de una marca con su realidad económica.

Que una marca parezca lujosa no significa necesariamente que detrás exista un gran capital financiero.

Un desfile es un instante. Una colección es el resultado de un trabajo que permanece

Un desfile es uno de los momentos más hermosos de la creación de moda. Las luces, la música, las modelos, la atmósfera, el público, los fotógrafos y, al final, los aplausos.

Pero el desfile, por sí solo, todavía no es un resultado comercial.

Después de que termina, queda la colección y el diseñador tiene que conseguir que cada pieza encuentre una nueva vida.

Algunas encontrarán a sus clientas, otras esperarán más tiempo y algunas quizá no las encuentren nunca. Y precisamente aquí aparece la diferencia entre la moda como experiencia visual y la moda como negocio.

Una prenda que funciona perfectamente sobre la pasarela no tiene por qué ser automáticamente el producto ideal para una clienta real. Las colecciones de pasarela se crean para determinadas proporciones, una atmósfera concreta y una imagen global. Las mujeres reales tienen cuerpos diferentes, necesidades diferentes y una manera diferente de llevar las prendas.

Un desfile puede ser un éxito absoluto y, sin embargo, el verdadero trabajo apenas acaba de comenzar: hay que recuperar los costes y conseguir que la colección encuentre su lugar en la vida real.

Por suerte, el cliente es algo completamente diferente

Una de las partes más bonitas de esta profesión son, para mí, las personas.

Quien acude a un diseñador normalmente no busca simplemente comprar una prenda rápidamente. Es alguien que ya sabe por qué busca un trato individual y por qué no quiere llevar algo que tienen otras cien personas.

De ahí pueden surgir relaciones muy bonitas.

A lo largo de los años conoces a muchas personas interesantes y algunos encuentros terminan convirtiéndose en amistades. El diseñador llega a formar parte de momentos importantes de la vida de sus clientes y ellos, a su vez, pasan a formar parte, de alguna manera, de su propia vida profesional.

En la mayoría de los casos, es una enorme alegría.

El diseñador quiere que el cliente quede satisfecho y trata de hacer todo lo posible por él. Al mismo tiempo, también crea desde su propia visión. Y, seamos sinceros, eso también alimenta un poco el ego.

Cuando tienes una idea muy concreta en la cabeza y consigues convertirla en realidad exactamente como la habías imaginado, la satisfacción personal es enorme.

Y ahí está precisamente la magia de la alta costura.

El cliente recibe algo que le pertenece y el diseñador tiene la oportunidad de crear algo que es valorado.

Por supuesto, también llegan los períodos difíciles

Ninguna trayectoria profesional larga está compuesta únicamente de éxitos.

Llegan momentos en los que una colección no funciona como esperabas, en los que hay que cambiar algo, en los que un determinado camino no lleva a ninguna parte o en los que simplemente tienes que preguntarte si la manera en que estás llevando tu marca sigue siendo la correcta.

Eso no tiene por qué ser una señal de fracaso.

Es parte de un trabajo a largo plazo.

Un diseñador de moda tiene que estar preparado para reaccionar, pensar de otra manera y, en ocasiones, abandonar una idea en la que creía. Tiene que aprender a distinguir entre los momentos en los que hay que perseverar y aquellos en los que es necesario cambiar de dirección.

Precisamente la capacidad de empezar de nuevo puede ser, en esta profesión, tan importante como el propio talento.

Lo que esta profesión puede darte

A pesar de todo lo anterior, ser diseñador de moda tiene una enorme ventaja: te obliga a evolucionar constantemente.

Te enseña independencia, capacidad de decisión, responsabilidad e improvisación. Te enseña a resolver problemas que nunca habrías imaginado y a aceptar que no todas las ideas tendrán éxito.

Con el tiempo desarrollas un lenguaje propio y también una clase de confianza que ya no depende de lo que los demás dicen de ti, sino de los años de trabajo que llevas detrás.

Y después hay algo que quizá no se pueda medir.

Las personas.

Clientes, colaboradores, amigos y todo tipo de encuentros que probablemente no habrían formado parte de tu vida sin esta profesión.

Y, por supuesto, la propia creación.

La sensación de que algo existe gracias a ti, de que has creado una pieza que antes no existía, de que puede formar parte de un momento importante y de que en ella queda algo de tu manera de pensar, de tu gusto y de tu tiempo.

¿Lo volvería a hacer?

No sé responder a esta pregunta con un simple sí.

No porque me arrepienta de mi trayectoria profesional. Más bien porque después de tantos años sabes con mucha más precisión todo lo que implica este camino.

Sabes que la creatividad es maravillosa, pero exigente. Que la libertad es estupenda, pero tiene un precio. Que la originalidad tiene un valor, pero crearla no es barato ni sencillo. Y que la hermosa imagen del mundo de la moda es solo una parte de una historia mucho más grande.

Y, sin embargo, hay algo que no cambia con los años.

Una persona creativa necesita crear.

Puede saber perfectamente que existen caminos más sencillos y previsibles, puede calcular todos los riesgos y puede decirse que sería más práctico dedicar su tiempo a otra cosa.

Pero si existe una necesidad real de crear, tarde o temprano volverá a hacerlo.

Porque crear no es solamente un trabajo. Es una manera de pensar, una manera de percibir el mundo y, para muchas personas creativas, también una parte de su identidad.

Por eso, a una chica joven que estuviera pensando en dedicarse a esta profesión no le diría ni «hazlo» ni «no lo hagas».

Le diría:

Primero descubre si realmente necesitas crear. Y después conoce también el precio que tendrás que pagar por tener esa posibilidad.

Porque si lo que te atrae de la moda es solamente su brillo, todavía estás a tiempo de elegir otro camino.

Pero si lo que te atrae es esa necesidad de crear, de encontrar tu propio lenguaje y de transformar tus ideas en realidad, quizá descubras algo importante:

que algunas profesiones no las elegimos del todo libremente. Algunas, sencillamente, nos encuentran a nosotros.